Sigamos un poco con el lenguaje filmico, os voy a hablar de algo bastante importante, me refiero a los planos.

Plano general:

Introduce al espectador en la situación, le ofrece una vista general y le informa acerca del lugar y de las condiciones en que se desarrolla la acción. Suele colocarse al comienzo de una secuencia narrativa. En un plano general se suelen incluir muchos elementos, por lo que su duración en pantalla deberá ser mayor que la de un primer plano para que el espectador pueda orientarse y hacerse cargo de la situación. Puede realizarse de varios modos, según su grado de generalidad.

Plano panorámico general:

Es una filmación que abarca muchos elementos muy lejanos. En él los personajes tendrán menos importancia que el paisaje.

Gran plano general:

Es una panorámica general con mayor acercamiento de objetos o personas. (Alrededor de 30 metros).

Plano general corto:

Abarca la figura humana entera con espacio por arriba y por abajo.

Plano americano:

 Toma a las personas de la rodilla hacia arriba. Su línea inferior se encuentra por debajo de las rodillas.

Plano en profundidad:
 Cuando el director coloca a los actores entre sí sobre el eje óptico de la cámara dejando a unos en primer plano y a otros en plano general o plano americano. No se habla de dos planos, primer plano o segundo plano, como haríamos en lenguaje coloquial, pues hemos definido plano, por razones prácticas, como sinónimo de encuadre.

Plano medio:
 Limita ópticamente la acción mediante un encuadre más reducido y dirige la atención del espectador hacia el objeto. Los elementos se diferencian mejor y los grupos de personas se hacen reconocibles y pueden llegar a llenar la pantalla.

Plano medio corto:

Encuadre de una figura humana cuya línea inferior se encuentra a la altura de las axilas. Es mucho más subjetivo y directo que los anteriores. Los personajes pueden llegar a ocupar la pantalla con un tercio de su cuerpo, y permite una identificación emocional del espectador con los actores. Mediante este encuadre es posible deslizar también muchos otros elementos significativos.

Primer plano:

Encuadre de una figura humana por debajo de la clavícula. El rostro del actor llena la pantalla. Tiene la facultad de introducirnos en la psicología del personaje. Con este encuadre se llega a uno de los extremos del lenguaje visual: los objetos crecen hasta alcanzar proporciones desmesuradas y se muestran los detalles (ojos, boca, etc.).

Semiprimer plano:

Concentra la atención del espectador en un elemento muy concreto, de forma que sea imposible que lo pase por alto. Si se refiere al cuerpo humano, este tipo de encuadre nos mostrará una cabeza llenando completamente el formato de la imagen. Desde el punto de vista narrativo nos puede transmitir información sobre los sentimientos, analiza psicológicamente las situaciones y describe con detenimiento a los personajes.

Gran primer plano:

Cuando la cabeza llena el encuadre.

Plano corto:

Encuadre de una persona desde encima de las cejas hasta la mitad de la barbilla.

Plano detalle: 

Primerísimos planos de objetos o sujetos, flores, una nariz, un ojo, un anillo, etc.

por ultimísimo os dejo un vídeo de algunas de los planos ya comentados, pero plasmado en movimiento, !Espero os parezca igual de interesante que a mi!.

Sigamos con esta muy buena película del 2000 también , estoy hablando de ¡AMERICAN PSYCHO!

Os voy a comentar un poco sobre la sinopsis y algún que otro dato muy curioso, ¡Espero os guste tanto como a mi!

En un mundo moralmente plano en el que la ropa tiene más sentido que la piel, Patrick Bateman es un espécimen soberbiamente elaborado que cumple todos los requisitos de Master del Universo, desde el diseño de su vestuario hasta el de sus productos químicos. Es prácticamente perfecto, como casi todos en su mundo e intenta desesperadamente encajar en él. Cuando más intenta ser como cualquier otro hombre adinerado de Wall Street, más anónimo se vuelve y menos control tiene sobre sus terribles instintos y su insaciable sed de sangre, que lo arrastra a una vorágine en la que los objetos valen más que el cuerpo y el alma de una persona.

¿SABIAS QUE?

-American Psycho convirtió a Bale en una estrella. Antes incluso de sus Batman y de cualquier otra película, su exagerada, desgarradora y estremecedora interpretación del psicótico ejecutivo Patrick Bateman le sacó del letargo en que se había sumido tras triunfar como joven promesa cuando tenía trece años y Spielberg le reclutó para encabezar El Imperio del Sol.

-Algunas escenas inolvidables por su brutalidad, como la persecución desnudo por las escaleras, sierra mecánica en mano, las actuaciones sobresalientes de secundarios de lujo como Chloë Sevigny, Willem Dafoeo Jared Leto y el retrato tan pesimista de una forma de vida en extinción, convierten a American Psycho en todo un must see del trhiller psicológico.

Hablemos un poco sobre el cine Español y su historia, espero que os parezca interesante. ¡ AL LÍO!.

Se elaboró en diciembre de 1978 con el fin de potenciar el despegue de la industria cinematográfica en la naciente democracia española, herida por el proteccionismo dirigista y la censura de la etapa histórica anterior afirma: “El cine es un bien cultural, un medio de expresión artística, un hecho de comunicación social, una industria, un objeto de comercio, enseñanza, estudio e investigación. El Cine, es pues, una parte del patrimonio cultural de España, sus nacionalidades y sus regiones”. En ella se manifiesta que el cine aglutina una serie de factores de extrema importancia en varios ámbitos: el cultural, el artístico, el social, el económico y el que más nos interesa aquí, el educativo. El cine, la manifestación artística más importante del siglo XX, que forma parte del acerbo cultural y artístico de los pueblos, ahora más que nunca, en nuestra sociedad de la información, de la comunicación y de la imagen, es una herramienta para aprender a conocer, aprender a hacer, aprender a vivir y aprender a ser, los cuatro pilares de la enseñanza”.

No debemos olvidar los principios de la exhibición de cine con los hermanos Lumière quienes, tras numerosas aproximaciones, con diversos aparatos que, significaron una aproximación técnica e histórica al desarrollo de la forma de expresar y proyectar imágenes en movimiento y que como decimos e insistimos terminaron con las proyecciones de los hermanos Lumière, también cuestionados sobre la fecha de su invención y sobre la propiedad de su invento.

Películas interesantes donde se reflejan aspectos de la sociedad española son: “La señorita de Trévelez”, “Agua en el suelo” y, muy especialmente, “La traviesa molinera”, “El sombrero de tres picos” y “La hermana San Sulpicio”, basadas en otras tantas obras literarias españolas. Con aspecto costumbrista fueron “Yo canto para ti” y la zarzuela “La Dolorosa”.

Os voy a comentar una de las partes sobre el lenguaje fílmico, como es el ¡espacio fílmico!

En el nacimiento del cine, este se basaba puramente en la fascinación de las imágenes en movimiento, no había planificación ni movimientos de cámara.

La unidad básica del cine es el plano, cada plano supone una elección del espacio (lo que se va a mostrar con el encuadre) y el tiempo (la duración del plano).

El orden y el ritmo definitivos, sin embargo son operaciones que se llevan a cabo en la fase de montaje.

Al montar los diversos fragmentos de película que componen una escena se crea un espacio y un ambiente nuevos que surgen de la imagen y que capta el espectador, que tiene la impresión que los fragmentos reunidos constituyen una acción unitaria.

Pueden distinguirse dos tipos de espacio.

-El primero es el espacio físico, donde el uso del montaje sirve para situar la acción en un contexto espacial y temporal. Esto puedo comprenderse a través de uno de los experimentos de Kuleshov, realizado en 1920. En este experimento se mostraba una escena formada por diferentes planos.

Al visionar esta escena el expectador percibía una secuencia de acciones coherente, sin embargo cada fragmento había sido filmado en lugares y tiempos diferentes, creando un espacio cinematográfico que para el espectador resulta real.

-El segundo tipo de espacio cinematográfico es el espacio dramático, donde se utiliza el montaje para localizar y ambientar la psicología de los personajes y situaciones.

¡Comencemos con lo que llevamos de 2000!. Y que mejor que empezar con esta película tan emotiva como es, ¡BILLY ELIOT!

 La enternecedora historia de un niño que habrá de luchar contra los estereotipos y los prejuicios de un pueblo de mente cerrada, bajo el símbolo de unas zapatillas de ballet que le pone en contra de todos sus vecinos, y a veces de sí mismo, por no querer ser boxeador, sino dedicarse al baile.

La película narra un cuento ambientado en un entorno muy real, un poblado minero en momentos en que el gobierno de Margaret Thatcher imponía su dureza contra los huelguistas. No podía ser más duro el ambiente para un niño que, en vez de boxear, quiere bailar. La historia está contada con sensibilidad, estilo musical, con momentos memorables como la rabieta bailada de Billy Elliot por las calles hasta que se topa con un muro.

Billy Elliot remite al triunfo de la perseverancia y la dedicación de una manera verosímil, con personajes humanos, no arquetípicos. Su familia está presentada con sobriedad, en el ambiente de hostilidad y dureza laboral y social en el que se desarrolla la trama.

¡Ya si que si!, acabamos con una mis películas favoritas, y espero que también la vuestra.. os hablo de una película del 99, ¡EXACTO! , os estoy hablando de, EL CLUB DE LA LUCHA.

Un joven hastiado de su gris y monótona vida lucha contra el insomnio. En un viaje en avión conoce a un carismático vendedor de jabón que sostiene una teoría muy particular: el perfeccionismo es cosa de gentes débiles; sólo la autodestrucción hace que la vida merezca la pena. Ambos deciden entonces fundar un club secreto de lucha, donde poder descargar sus frustaciones y su ira, que tendrá un éxito arrollador. 

Os voy a comentar uno que otro dato que es muy posible no supierais, ¡Os impresionará lo que son capaz de hacer actores por producir películas perfectas!

-Brad Pitt y Edward Norton en realidad sí tomaron clases de boxeo y de cómo hacer jabones.

-Brad Pitt acudió al dentista para tener el diente frontal astillado para el papel.

-Helena Bonham Carter, de 1.57 cm de estatura, usó zapatos de plataforma altísimos para estar más cerca en estatura a Brad Pitt, de 1.80 cm, y a Edward Norton, de 1.83 cm.

-La violencia que rezuma la película es ficción, pero alguna de sus consecuencias fue absolutamente real. Brad Pitt se puso tan fuerte para la ocasión, que Norton llegó a partirse un dedo golpeándole el estómago.

Ahora os voy a comentar algo bastante interesante en el mundo del cine, os voy a hablar un poco sobre el lenguaje filmico.

Se caracteriza por ;

Utilizar un lenguaje exclusivamente audiovisual, en él que intervienen diversas técnicas y elementos que constituyen un mensaje meramente trabajado y estructurado. La información transmitida por este canal informativo, es una información creada conscientemente, estudiada y tratada en cada detalle, en cada elemento constitutivo del “lenguaje audiovisual”.

Para ser conscientes de la información recibida debemos alfabetizarnos visualmente, y conocer los elementos esenciales del lenguaje cinematográfico.

El lenguaje audiovisual utiliza como medio de expresión los siguientes elementos:

• espacio fílmico
• ritmo fílmico
• tiempo fílmico
• escala fílmica
• luz fílmica
• movimiento fílmico
• sonido fílmico
• tono y color fílmico
• estructura narrativa fílmica
• los ángulos

Los cuales os iré hablando poco a poco.

Ya casi acabamos con esta gran década llena de grandes películas, os voy a hablar sobre una del 98, me estoy refiriendo a AMERICAN HISTORY X

Bueno, como decía ya queda menos para terminar y que menos, que hablar de esta gran película, hay os dejo un poco de lo que trata la historia y una que otra curiosidad sobre ella.

Derek, un joven "skin head" californiano de ideología neonazi, fue encarcelado por asesinar a un negro que pretendía robarle su furgoneta. Cuando sale de prisión y regresa a su barrio dispuesto a alejarse del mundo de la violencia, se encuentra con que su hermano pequeño, para quien Derek es el modelo a seguir, sigue el mismo camino que a él lo condujo a la cárcel. 

¿SABIAS QUE?

- La película obtuvo varios galardones, sobre todo gracias a la interpretación de Edward Norton (Derek Vinyard), el cual ganó el Premio Satélite a la mejor actuación en cine, el Premio Southeastern Film Critics Association al mejor actor, y la nominación al Oscar como Mejor Actor.

-Para interpretar el papel de Derek Vinyard, el actor tuvo que ganar 14 kilos de masa múscular.

-La película cuenta con un lenguaje extremadamente racista y cuenta con muchas escenas violentas. Durante los 119 minutos de la película, la palabra “Fuck” es usada 214 veces.

-Tony Kaye (director) se enfadó cuando se encontró con que todo el material y las escenas que grabó, fueron montadas para la película por otras personas que no eran él. 

Incluso trató por todos los medios de borrar su nombre como director de la película, ya que no se sentía creador del producto final, sustituyéndolo por el típico pseudónimo que usan los que se arrepienten de sus creaciones.

Continuemos con un poco mas de cine, sigamos con la década de los 90, exactamente al 96, si me estoy refiriendo a ¡TRAINSPOTTING!

En esta entrada os quiero comentar una que otra curiosidad bastante interesante sobre esta película, actores, etc.. ¡Espero que os parezca tan interesante como a mi!

¿¡SABIAS QUE!?

- ¿Qué demonios significa Trainspotting? Es una práctica sencilla:observar cómo los trenes atraviesan el horizonte. Popularmente, la expresión se utiliza para referirse a una actividad que no tiene sentido y Welsh hace una analogía en este caso con la heroína, ya que la señala como una práctica absurda, sin sentido... excepto para el que la está experimentando.

-. McGregor, que ya estaba delgado en aquella época, perdió algo más de 7 kilos para interpretar el papel de Renton. Según ha contado en varias ocasiones, dejó de tomar lacteos y alcohol durante dos meses. Una curiosa dieta.

-La implicación del actor le llevó a internarse con adictos a la heroína y le planteó a Boyle la idea en firme de colocarse para saber qué se experimentaba. El director lo rechazó y, finalmente, McGregor aseguró no haberlo hecho.

- La introducción de la película, el discurso 'Elige la vida' de Renton, es uno de los posters cinematográficos más vendidos de la historia. Y eso que no es el póster original del film, otro de los más recordados de la época.

-Las variables de presupuesto y tiempo de la secuela distarán inevitablemente de su primera entrega. En aquella ocasión, Boyle manejó 1.550.000 libras y tuvo siete semanas y media para rodar.

-Boyle quería el tema original de Misión Imposible para la escena en la que Sick Boy y Renton divagan en el parque sobre una de sus muchas teorías de la vida, en las que el personaje de Lee Miller da rienda suelta a su obsesión con Sean Connery. Los derechos de la canción costaban el triple de lo que la película costó finalmente, así que la idea fue descartada.

Por ultimo, os dejo el vídeo de la famosa intro..

¿Y las razones? No hay razones. ¿Quien necesita razones cuando tienes heroína?.

Ahora, despues de este pequeño inciso, volvamos a lo que realmente nos gusta. Si, os voy hablar un poco sobre una pelicula casi vista por todos, y si aún no lo habeis hecho, ¡ESTE ES EL MOMENTO!

Me referia a una muy buena pelicula, del 95 tambien, pero de la cual tenia que hablar. Me refiero a ¡BRAVEHEART!. 

Hay os dejo un poco de sinopsis y algun que otro dato muy interesante, ¡Vamos al lío!.

Escocia tierra de nadie... Estas palabras estaban presentes en las cabezas de muchos campesinos que obligados por su señor a reprimir la libertad de su Escocia, vieron el resurgir de un héroe, un hombre llamado William, William Wallace...Las épicas aventuras de William Wallace, un rebelde escocés en su lucha por la independencia contra el poder de Inglaterra, en pleno medievo. Su legendario carácter y su épica historia de amor lo convirtieron en un héroe.

 

Pemios que se llevó esta película, que ,por cierto, no son pocos..

-1995: 5 Oscars: mejor película, director, fotografía, sonido y maquillaje. 10 nominaciones.

-1995: Globo de Oro: Mejor director (Mel Gibson). 4 nominaciones.

-1995: 3 premios BAFTA: Mejor fotografía, vestuario y sonido. 7 nominaciones.

-1995: National Board of Review: Mel Gibson

-1995: Critics' Choice Awards: Mejor director (Mel Gibson).

 Os dejo una que otra curiosidad..

-Randall Wallace optó primero por escribir el guión y solo cuando este estuvo terminado investigó profundamente la historia de Escocia para completarlo. El motivo era que quería captar el drama de la vida de William Wallace y solo después añadir los detalles históricos.

-Los dramas históricos en los que se inpiró Mel Gibson en especial para Braveheart fueron El Cid y Espartaco.

 

                     
               
                  (El cid (imagen izq) y espartaco (imagen der)) 

-En las audiciones para formar parte del reparto el director no pidió a los aspirantes que leyeran sus líneas, sino que se sentó a charlar y tomar té con ellos.


Por último, un pequeño video de una de las partes mas buenas de esta pelicula, al menos, bajo mi punto de vista, ¡ Espero que os guste !.

 

No todo es diversión, así que prosigamos con las corrientes artísticas, os voy a hablar un poco sobre, El cinema verité .¡Espero que os parezca igual de interesante que a mi!

El Cinema Verité era un estilo de hacer cine que apareció en Paris, a raíz del documental Primary de Richard Leacock, en 1960. Este documental rodado por encargo de la revista “Life”, trataba de los intentos de John F. Kennedy y Hubert Humphrey, de conseguir la nominación del Partido demócrata, para la campaña presidencial de 1960. En dicho documental, había escenas de gran vitalidad y aire nuevo, algo a lo que la gente no estaba acostumbrada, como una escena en la que Kennedy planteaba su estrategia en la habitación del hotel. Esto provocó que la película se viese como una gran innovación en el cine.

Mayormente este movimiento se baso en los principios de Vertov. Dziga Vertov era un cineasta soviético, de años anteriores a la aparición del cinema verité, que creía en la captación de la realidad y de la vida de manera espontanea y natural sin puestas en escena. Sitúa a la cámara como el objeto  que provoca la acción de los sujetos.

El objetivo principal de este movimiento cinematográfico era la captación de la realidad de una persona o de un momento determinado sin artificio alguno, para ello utilizaban cámaras discretas, esto facilitaba la utilización de las mismas a la hora de rodar y de olvidar la presencia de estas, para que los personajes fuesen ellos mismos.