Gula, pereza, soberbia, avaricia, envidia, lujuria e ira... si estoy hablando de los pecados capitales y de esta gran película del año 1995, ¡SEVEN!

Os voy a comentar una que otra curiosidad sobre esta película, bastantes interesantes por cierto. y si no la habéis visto.. ya es hora de sacar un hueco y verla, ¡ESPERO QUE OS GUSTE!.

– Las localizaciones de la película están situadas en las ciudades estadounidenses de Filadelfia y San Francisco, aunque la historia se desarrolla en una ciudad ficticia, oscura, donde siempre llueve y potencialmente peligrosa. Los personajes en ningún momento hacen mención al nombre de la urbe y hacen referencia a esta como: “aquí”, “esta maldita ciudad”.

– El número 7 es un protagonista en sí mismo. Al principio de la película, los detectives de homicidios Mills y Somerset caminan por una calle donde el número de todos los portales empieza por 7; la historia transcurre durante 7 días; a las 19:00 es cuando los detectives reciben el famoso paquete…

– Brad Pitt se rompió de verdad el brazo en la escena donde persigue a Kevin Spacey por un edificio.

-El guionista Andrew Kevin Walker era un completo desconocido en la industria del cine por lo cual tuvo enormes dificultades en vender el guión. Se cree que elaboró una lista de agentes que representan a guionistas especializados en películas sobre crímenes y llamó a cada uno hasta obtener una respuesta afirmativa.

-Para la escena del traumático interrogatorio, el actor Leland Orser se preparó hasta límites extremos: se entrenó mucho tiempo en hiperventilación y pasó días sin dormir para darle a su cuerpo una apariencia desorientada.

 

Por ultimo, os dejo el trailer, ¡A ver si os pica la curiosidad!. 

 

 

Otro pequeño apartado de interes en el mundillo del cine, sobre las corrientes artisticas, estamos hablando del Neorrealismo.

Es un movimiento cinematográfico,nacido en Italia en 1945,que intenta reflejar con dramatismo la realidad social y económica del país,a través del uso de escenarios naturales,actores no profesionales y técnicas del documental.

Existen dos consideraciones referentes al Neorrealismo, ¿es una “escuela” o es un movimiento? Los partidarios de que es una escuela cinematográfica, defienden lateoría de que es un tipo de cine de conciencia y deacción colectiva, en las que varios directores se inscriben voluntariamente como partes de un camino único. Los que defiende esta teoría, fundamentan la idea de una escuela, una zona de operaciones, una ética delimitada de actuación, principios y maestros. En cuanto a los seguidores del movimiento, basan sus objeciones en un conjunto de intereses e ideas común, pero sin que esto signifique en modo alguno una actuación conjunta. Así, entre los grandes directores del primer neorrealismo encontramos maestros (De Sica, Zavattini, Visconti y Rossellini), antecesores (Blassetti y Camerini), cultores (Zampa, Germi, Castellani, De Santis y Vergano, entre otros). 

El Neorrealismo Italiano no fue la única tendencia cinematográfica en la producción transalpina, se harán otras películas que tendrán menor calado comercial y artístico, pero sin duda, fue la tendencia identificativa de este periodo que influyó en las demás artes y el resto de cinematografías internacionales.

  

Os voy a comentar como dato muy curioso algo sobre las corrientes artísticas, en esta entrada os hablo del ¡EXPRESIONISMO!.

Se buscaba la expresión de los sentimientos y las emociones del autor, más que la representación de la realidad objetiva. El movimiento expresionista apareció en los últimos años del siglo XIX y primeros del XX como reacción frente a los modelos que habían prevalecido en Europa desde el renacimiento, particularmente en las anquilosadas academias de Bellas Artes. El artista expresionista trató de representar la experiencia emocional en su forma más completa, sin preocuparse de la realidad externa sino de su naturaleza interna y de las emociones que despierta en el observador. Para lograrlo, los temas se exageran y se distorsionan con el fin de intensificar la comunicación artística.

Se dice que el inventor de la palabra "expresionismo" fue un tal Julien-Auguste Hervé, un pintor francés muy olvidado que expuso con este nombre sus cuadros en el Salón de los Independientes en 1901. Pero este término no hizo carrera en Francia. Fue en la Secesión berlinesa de 1911, en donde se expusieron, junto a los cuadros habituales de los impresionistas, obras de una nueva tendencia que agrupaba a Braque, Derain, Dufy, Picasso, Vlaminck...

Y por ultimo un interesante vídeo que se compone de películas expresionista y os explica con mucha claridad que quiere decir esto, ¡espero que os guste!

Sigamos con la época de los 90.. un poco mas adelante, hablo de 1994, de manos de nada mas y nada menos que de Alex Proyas. Si, estoy hablando de ¡EL CUERVO! ( The crow)

Basada en los cómics, en blanco y negro, de James O'Barr, que hicieron estragos en los años ochenta, y con tan notables como explícitas influencias del mejor Edgar Allan Poe, a comenzar por el título y el apellido del personaje central -Draven-, un músico que, un año después de ser asesinado, al igual que su amada, vuelve de la tumba para ejercer su venganza, guiado por el cuervo que le acompañó a la misma y que tiene como misión la de actuar como intermediario entre este mundo y el otro.

Alex Proyas ('Señales del futuro', 'Gods of Egypt') es el director de este filme, contando con la participación de David J. Schow y de John Shirley de cara a recrear fielmente el guion de la obra publicada en su momento por el escritor James O'Barr. El reparto está integrado por una serie de actores de la talla de Brandon Lee ('Little Tokyo. Ataque frontal', 'Rapid Fire') o de Ernie Hudson ('The Millers', 'Adonis').

SABIAS QUE..

-Brandon Lee, hijo de Bruce Lee, murió mientras protagonizaba la película.Durante el rodaje una de las pistolas que le dispararon en la escena de la reunión de los mafiosos, tenía balas de verdad y no de fogueo. Alex Proyas, director del film, al principio pensó en no terminar la película, ya que faltaban muchas escenas de Brandon Lee, pero finalmente se optó por acabarla y convertirla en un tributo al actor. Se utilizó un método informático para unir la cara de Brandon Lee a un doble, que casualmente era amigo suyo. Muchas otras escenas de la película se hicieron con tonos muy oscuros y con el personaje de espaldas para lograr terminar el film.

-Tras la muerte de Brandon Lee, Rochelle Davis (Sarah), no llegó a terminar de rodar la película, ni a formado parte de ninguna otra película.

Os dejo un muy interesante vídeo de como continuaron la película tras la muerte de Brandon lee.

Pongámonos serios por un momento. Vamos a hablar un poco de las corrientes artísticas, vamos a empezar por una muy interesante, hablo del ¡SURREALISMO!

El surrealismo se presenta, pues, a sí mismo como una revolución que ataca el orden lógico (critica la racionalidad), el orden estético (se enfrenta al “buen gusto” burgués) y el orden moral (rechaza los valores de la sociedad burguesa).

Nacido en Francia alrededor de los años 20, trata de plasmar el mundo de los sueños y de los fenómenos subconscientes. Breton, teórico del surrealismo y en torno al cual surge el movimiento, señala en su Primer Manifiesto del Surrealismo (1924):

-“Creo en el encuentro futuro de esos dos estados, en apariencia tan contradictorios, como son el sueño y la realidad, en una especie de realidad absoluta, de surrealidad”.

Según la definición otorgada por André Breton el surrealismo es un “automatismo psíquico puro por el cual se propone expresar, sea verbalmente, sea por escrito, sea de cualquier otra manera, el funcionamiento real del pensamiento”. Se trata pues de un verdadero “dictado del pensamiento”, compuesto “en ausencia de todo control efectuado por la razón, fuera de cualquier preocupación estética y moral”.

Al igual que la literatura y la pintura surrealista, el cine mantiene como manifiesto: la creación al margen de todo principio estético y moral, la fantasía onírica, el humor cruel, el erotismo lírico, la deliberación confusión de tiempos y espacios diferentes. Los cineastas surrealistas trataron temas que escandalizaron a la sociedad burguesa francesa, además creaban confusión con su lenguaje cinematográfico (fundidos, cámara lenta o acelerada, uniones arbitrarias entre planos y secuencias que no tenían relación entre sí) a partir de sueños, pesadillas, mundos imaginarios e imágenes delirantes.

Seguimos con la época de los 90, vamos un poco hacia atrás... hablamos de una película animada, del gran director TIM BURTON, si estoy hablando de ¡PESADILLAS ANTES DE NAVIDAD!

Os voy a contar unas curiosidades sobre esta película bastantes interesantes, ¡Espero que os guste!

-Aunque tuviese que esperar a 1993 para aparecer como marioneta protagonista, Jack Skellington debutó en el cine en 1982, como parte de uno de los decorados de Vincent. En 1989, además, su cabeza se asomaría a Bitelchús, como parte de un sombrero del bioexorcista Michael Keaton. Burton y Selick deben estar muy encariñados con su personaje, puesto que este ha hecho más apariciones por sorpresa (algunas tan breves que apenas se las distingue) en James y el melocotón gigante (vestido de pirata), Los mundos de Coraline (un reflejo en la yema de un huevo) y Alicia en el País de las maravillas, donde su silueta forma parte de los bordados en el sombrero de Johnny Depp. A lo cual habría que sumar el momento de Tiana y el sapo en el que vemos su sombra.

-Como corresponde a un título en stop motion, Pesadilla antes de Navidad trajo consigo una terrorífica carga de trabajo: se construyeron 230 decorados que ocuparon 19 platós, e hicieron falta siete días de rodaje por cada minuto del filme, en el cual se emplearon 227 marionetas. A fin de dotarle de una expresividad a la altura de su importancia, Jack Skellington tuvo 400 cabezas intercambiables. En total, hicieron falta dos años para tener lista la película, y durante todo ese tiempo Tim Burton sólo se pasó nueve o diez veces a ver cómo iba la cosa. “Tim puso el huevo, y yo lo empollé”, declaró cortesmente Henry Selick, pero lo cierto es que su antiguo compañero y él no han vuelto a trabajar juntos desde entonces.

-Algunos de los personajes de la película llevan las caras de quienes les prestan las voces. Lock, Shock y Barrel, por ejemplo, llevan las caras de Paul Reubens, Catherine O'Hara y Danny Elfman. El niño que recibe una cabeza decapitada para Navidad es una versión infantil de nada menos que Tim Burton.

Os dejo un vídeo sobre una canción de esta peli, ¡Espero que os guste!.

                                   

Empecemos un poco con los 90, y no empezamos hablando de cualquiera no, me estoy refiriendo al gran QUENTIN TARANTINO, con una de sus mejores peliculas, si, me estoy refiriendo a ¡PULP FICTION!

Os voy a dejar por aquí unas cuantas de curiosidades sobre esta película, si no la habéis visto, después de leer esto, ¡Es el momento!

-La famosa cartera de Jules era, también, de Tarantino

La famosa cartera con el Bad Motherfucker escrito sobre ella pertenecía también al director y se la prestó para la escena.

-¿Qué había en la maleta?

La realidad: dos pilas y unas bombillas. La realidad más metafórica: Tarantino afirmó años después que en realidad hay "exactamente lo que el espectador quiere que haya".

-Todos los actores cobraron lo mismo.

En su momento, y pese al éxito alcanzado, Pulp Fiction fue una simple película independiente con un presupuesto bastante modesto de millón y medio de dólares. Debido a eso, la mayoría de estrellas que aparecían en la misma, como Bruce Willis o Uma Thurman, grabaron las escenas correspondientes en los huecos que les dejaban las otras películas que se encontrasen haciendo en ese momento. Para ajustar presupuesto, también, todos los actores cobraron lo mismo, "sólo" $20.000 dólares por semana. También recibieron parte de los ingresos de la película que acabó cosechando $214 millones de dólares en taquilla.

Aquí os dejo una de las escenas que mas me gusta, espero que a ustedes también!