Hablemos un poco sobre el cine Español y su historia, espero que os parezca interesante. ¡ AL LÍO!.

Se elaboró en diciembre de 1978 con el fin de potenciar el despegue de la industria cinematográfica en la naciente democracia española, herida por el proteccionismo dirigista y la censura de la etapa histórica anterior afirma: “El cine es un bien cultural, un medio de expresión artística, un hecho de comunicación social, una industria, un objeto de comercio, enseñanza, estudio e investigación. El Cine, es pues, una parte del patrimonio cultural de España, sus nacionalidades y sus regiones”. En ella se manifiesta que el cine aglutina una serie de factores de extrema importancia en varios ámbitos: el cultural, el artístico, el social, el económico y el que más nos interesa aquí, el educativo. El cine, la manifestación artística más importante del siglo XX, que forma parte del acerbo cultural y artístico de los pueblos, ahora más que nunca, en nuestra sociedad de la información, de la comunicación y de la imagen, es una herramienta para aprender a conocer, aprender a hacer, aprender a vivir y aprender a ser, los cuatro pilares de la enseñanza”.

No debemos olvidar los principios de la exhibición de cine con los hermanos Lumière quienes, tras numerosas aproximaciones, con diversos aparatos que, significaron una aproximación técnica e histórica al desarrollo de la forma de expresar y proyectar imágenes en movimiento y que como decimos e insistimos terminaron con las proyecciones de los hermanos Lumière, también cuestionados sobre la fecha de su invención y sobre la propiedad de su invento.

Películas interesantes donde se reflejan aspectos de la sociedad española son: “La señorita de Trévelez”, “Agua en el suelo” y, muy especialmente, “La traviesa molinera”, “El sombrero de tres picos” y “La hermana San Sulpicio”, basadas en otras tantas obras literarias españolas. Con aspecto costumbrista fueron “Yo canto para ti” y la zarzuela “La Dolorosa”.

Os voy a comentar una de las partes sobre el lenguaje fílmico, como es el ¡espacio fílmico!

En el nacimiento del cine, este se basaba puramente en la fascinación de las imágenes en movimiento, no había planificación ni movimientos de cámara.

La unidad básica del cine es el plano, cada plano supone una elección del espacio (lo que se va a mostrar con el encuadre) y el tiempo (la duración del plano).

El orden y el ritmo definitivos, sin embargo son operaciones que se llevan a cabo en la fase de montaje.

Al montar los diversos fragmentos de película que componen una escena se crea un espacio y un ambiente nuevos que surgen de la imagen y que capta el espectador, que tiene la impresión que los fragmentos reunidos constituyen una acción unitaria.

Pueden distinguirse dos tipos de espacio.

-El primero es el espacio físico, donde el uso del montaje sirve para situar la acción en un contexto espacial y temporal. Esto puedo comprenderse a través de uno de los experimentos de Kuleshov, realizado en 1920. En este experimento se mostraba una escena formada por diferentes planos.

Al visionar esta escena el expectador percibía una secuencia de acciones coherente, sin embargo cada fragmento había sido filmado en lugares y tiempos diferentes, creando un espacio cinematográfico que para el espectador resulta real.

-El segundo tipo de espacio cinematográfico es el espacio dramático, donde se utiliza el montaje para localizar y ambientar la psicología de los personajes y situaciones.

¡Comencemos con lo que llevamos de 2000!. Y que mejor que empezar con esta película tan emotiva como es, ¡BILLY ELIOT!

 La enternecedora historia de un niño que habrá de luchar contra los estereotipos y los prejuicios de un pueblo de mente cerrada, bajo el símbolo de unas zapatillas de ballet que le pone en contra de todos sus vecinos, y a veces de sí mismo, por no querer ser boxeador, sino dedicarse al baile.

La película narra un cuento ambientado en un entorno muy real, un poblado minero en momentos en que el gobierno de Margaret Thatcher imponía su dureza contra los huelguistas. No podía ser más duro el ambiente para un niño que, en vez de boxear, quiere bailar. La historia está contada con sensibilidad, estilo musical, con momentos memorables como la rabieta bailada de Billy Elliot por las calles hasta que se topa con un muro.

Billy Elliot remite al triunfo de la perseverancia y la dedicación de una manera verosímil, con personajes humanos, no arquetípicos. Su familia está presentada con sobriedad, en el ambiente de hostilidad y dureza laboral y social en el que se desarrolla la trama.

¡Ya si que si!, acabamos con una mis películas favoritas, y espero que también la vuestra.. os hablo de una película del 99, ¡EXACTO! , os estoy hablando de, EL CLUB DE LA LUCHA.

Un joven hastiado de su gris y monótona vida lucha contra el insomnio. En un viaje en avión conoce a un carismático vendedor de jabón que sostiene una teoría muy particular: el perfeccionismo es cosa de gentes débiles; sólo la autodestrucción hace que la vida merezca la pena. Ambos deciden entonces fundar un club secreto de lucha, donde poder descargar sus frustaciones y su ira, que tendrá un éxito arrollador. 

Os voy a comentar uno que otro dato que es muy posible no supierais, ¡Os impresionará lo que son capaz de hacer actores por producir películas perfectas!

-Brad Pitt y Edward Norton en realidad sí tomaron clases de boxeo y de cómo hacer jabones.

-Brad Pitt acudió al dentista para tener el diente frontal astillado para el papel.

-Helena Bonham Carter, de 1.57 cm de estatura, usó zapatos de plataforma altísimos para estar más cerca en estatura a Brad Pitt, de 1.80 cm, y a Edward Norton, de 1.83 cm.

-La violencia que rezuma la película es ficción, pero alguna de sus consecuencias fue absolutamente real. Brad Pitt se puso tan fuerte para la ocasión, que Norton llegó a partirse un dedo golpeándole el estómago.

Ahora os voy a comentar algo bastante interesante en el mundo del cine, os voy a hablar un poco sobre el lenguaje filmico.

Se caracteriza por ;

Utilizar un lenguaje exclusivamente audiovisual, en él que intervienen diversas técnicas y elementos que constituyen un mensaje meramente trabajado y estructurado. La información transmitida por este canal informativo, es una información creada conscientemente, estudiada y tratada en cada detalle, en cada elemento constitutivo del “lenguaje audiovisual”.

Para ser conscientes de la información recibida debemos alfabetizarnos visualmente, y conocer los elementos esenciales del lenguaje cinematográfico.

El lenguaje audiovisual utiliza como medio de expresión los siguientes elementos:

• espacio fílmico
• ritmo fílmico
• tiempo fílmico
• escala fílmica
• luz fílmica
• movimiento fílmico
• sonido fílmico
• tono y color fílmico
• estructura narrativa fílmica
• los ángulos

Los cuales os iré hablando poco a poco.

Ya casi acabamos con esta gran década llena de grandes películas, os voy a hablar sobre una del 98, me estoy refiriendo a AMERICAN HISTORY X

Bueno, como decía ya queda menos para terminar y que menos, que hablar de esta gran película, hay os dejo un poco de lo que trata la historia y una que otra curiosidad sobre ella.

Derek, un joven "skin head" californiano de ideología neonazi, fue encarcelado por asesinar a un negro que pretendía robarle su furgoneta. Cuando sale de prisión y regresa a su barrio dispuesto a alejarse del mundo de la violencia, se encuentra con que su hermano pequeño, para quien Derek es el modelo a seguir, sigue el mismo camino que a él lo condujo a la cárcel. 

¿SABIAS QUE?

- La película obtuvo varios galardones, sobre todo gracias a la interpretación de Edward Norton (Derek Vinyard), el cual ganó el Premio Satélite a la mejor actuación en cine, el Premio Southeastern Film Critics Association al mejor actor, y la nominación al Oscar como Mejor Actor.

-Para interpretar el papel de Derek Vinyard, el actor tuvo que ganar 14 kilos de masa múscular.

-La película cuenta con un lenguaje extremadamente racista y cuenta con muchas escenas violentas. Durante los 119 minutos de la película, la palabra “Fuck” es usada 214 veces.

-Tony Kaye (director) se enfadó cuando se encontró con que todo el material y las escenas que grabó, fueron montadas para la película por otras personas que no eran él. 

Incluso trató por todos los medios de borrar su nombre como director de la película, ya que no se sentía creador del producto final, sustituyéndolo por el típico pseudónimo que usan los que se arrepienten de sus creaciones.

Continuemos con un poco mas de cine, sigamos con la década de los 90, exactamente al 96, si me estoy refiriendo a ¡TRAINSPOTTING!

En esta entrada os quiero comentar una que otra curiosidad bastante interesante sobre esta película, actores, etc.. ¡Espero que os parezca tan interesante como a mi!

¿¡SABIAS QUE!?

- ¿Qué demonios significa Trainspotting? Es una práctica sencilla:observar cómo los trenes atraviesan el horizonte. Popularmente, la expresión se utiliza para referirse a una actividad que no tiene sentido y Welsh hace una analogía en este caso con la heroína, ya que la señala como una práctica absurda, sin sentido... excepto para el que la está experimentando.

-. McGregor, que ya estaba delgado en aquella época, perdió algo más de 7 kilos para interpretar el papel de Renton. Según ha contado en varias ocasiones, dejó de tomar lacteos y alcohol durante dos meses. Una curiosa dieta.

-La implicación del actor le llevó a internarse con adictos a la heroína y le planteó a Boyle la idea en firme de colocarse para saber qué se experimentaba. El director lo rechazó y, finalmente, McGregor aseguró no haberlo hecho.

- La introducción de la película, el discurso 'Elige la vida' de Renton, es uno de los posters cinematográficos más vendidos de la historia. Y eso que no es el póster original del film, otro de los más recordados de la época.

-Las variables de presupuesto y tiempo de la secuela distarán inevitablemente de su primera entrega. En aquella ocasión, Boyle manejó 1.550.000 libras y tuvo siete semanas y media para rodar.

-Boyle quería el tema original de Misión Imposible para la escena en la que Sick Boy y Renton divagan en el parque sobre una de sus muchas teorías de la vida, en las que el personaje de Lee Miller da rienda suelta a su obsesión con Sean Connery. Los derechos de la canción costaban el triple de lo que la película costó finalmente, así que la idea fue descartada.

Por ultimo, os dejo el vídeo de la famosa intro..

¿Y las razones? No hay razones. ¿Quien necesita razones cuando tienes heroína?.